日本は、アート・芸術に冷たい。

との意見がある。

ミュージカル演出家の宮本亜門氏が、そのような発言をしていたと記憶する。

・

同様に、「ヨーロッパでは、芸術を大切にするのに対して」との自虐歴史観があった。

だが、（かつての私も含めて）歴史を知らなさすぎる。

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(神田松之丞あらため)神田伯山の至芸

※　「ともちんこと板野友美」

のようなタイトルで、すまぬ。

4月12日から、「在来の病気」で、広尾の病院に入院している。

自宅は世田谷だが、新型コロナの影響で、救済車を呼ばないと入院もできない。

救急隊員の話では、近所の病院に断られ、2時間ほどの交渉の結果、「東京ルール」によって、広尾の病院に受け入れてもらった。

「在来の病気」は、内視鏡手術で初期対応が完了。

現在は、次の手術を待っている時期。体長は、ほぼ万全である。

○

貧乏人に個室など望めない。そこで困る・気になるのが、同室の患者の話し声。新型コロナの影響で「家族の面会」はない。とはいえ、「痛がる声」や「看護士・医師とのやりとり」は、病体には辛い。年寄りは声が大きい。

そこで、スマホの音量をめいっぱいにし、イアホンで外部音声を遮断することになる。

時間があるので、1時間かかる交響曲(ベートーベン・ドヴォルザーク...etc.)を聴く。

体調が戻って来たところで、落語(圓生・志ん朝)。そして、2月に真打ちに昇進した講談師・(神田松之のあらため)伯山を聴いた。

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この時節だから「世界にひとつだけの花」を批判する。

国民的アイドルグループ（だった）SMAPに提供した槇原容疑者の楽曲が、

・（素晴らしい）作品に責任はない。

との発言が賑わっている。

だが、そうだろうか。

○

先日、ロシアの音楽家をとりあげたドキュメンタリー番組で、彼がモスクワ音楽院で学んでいた頃、日本文化に興味があり、「徒然草」を読んだというエピソードが紹介されていた。

勿論、ロシア語の翻訳物であり、抜粋である。

番組で紹介されたのは、

朝、雪が降ったのに、そのことに一言も触れない手紙を書いてきた友人を非難する吉田兼好のテキストである。

半世紀ほど前のロシアの若者が、そこから何を感じ取ったのかは分からないが、私たち日本人の心が「季節」と深く関わり合っており、そのことに「言及しない」で「用件だけ述べる」のは下卑。それが兼好法師が指摘したことだろう。

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横尾忠則氏の憤り。

昭和な人たちの軋轢。

https://headlines.yahoo.co.jp/article?a=20200104-00000003-pseven-ent&p=1

寅さんの新作（50作目）のアイデアは、横尾忠則氏であり、それを「一切口外しない」まま、お正月映画は公開されたという。

なんでも、近所のソバ屋で偶然あった山田監督に、横尾氏はアイデアを話したのだとか。

○

近所のソバ屋とは・・・。

ふむ、小澤征爾氏のご贔屓の「あの店」か、私が行ったことのない高級店か・・・。

*

私は、駅に向かう道を歩いている山田洋次氏を見かけたことがある。同乗の娘に、山田洋次監督だよと、話しかけたのを覚えている。数年前の出来事・・・。
現在、88歳とのことだから、80歳を過ぎた頃、老境著しいといった印象がある。

そういえば、駅前の喫茶店前で、鶴瓶氏を見たことがある。
たぶん、映画スタジオで「（吉永嬢との共演作品で）カンテツ（完全徹夜）」した後だったのかもしれぬ。髪の毛が「禿散らかっていた」のを同乗の娘と確認した。

*

横尾氏は、TBSのラジオ番組のディレクターをした時に出会っている。

私が、ビエンナーレをコンクールと「言い間違えた」ら、「私はプロだから、コンクールには出品しません」と罵られた。

横尾氏にとって私は無名スタッフ。「そんなことは知っている。分かっている。言い間違っただけ」と反論をすることはできない。
ビエンナーレとは、２年ごとに行われる展覧会のこと。３年ごとは、トリエンナーレである。

*

我が家は、石坂洋二郎小説でいうところの「日の当たる坂道」を下ったところにある。別の形容をするなら、黒沢映画「天国と地獄」における地獄にあるが、「定期購読の本を届けてくれる本屋」は同じである。

記憶は定かではないが、横尾氏は国分寺崖線にあったと記憶する。たしか、大江健三郎氏のお宅の近くかと。
一方の山田監督は、高級住宅地のど真ん中だったか・・・。

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写真家・奈良原一高につき。

奈良原氏には、二度会っている。

一度目は、彼の写真集（スペイン・偉大なる午後、1969年）に触発された先輩プロデューサーに連れられて南青山のご自宅を訪問した時。

二度目は、東京都写真美術館の開館用映像「写真都市Tokyo」の映像取材で・・・。

公共放送の番組では、一世代前の写真家・土門拳氏から「写真ではない（意味の不在）」と批判されたエピソードが紹介される。

・土門拳「筑豊のこどもたち」

・・・劣悪な状況で暮らすこどもたちが露出される。作品は「疎外された人間」が存在する現代を告発する。

・奈良原一高「人間の土地」
・・・作品は、廃鉱となった軍艦島の無人な風景を描出する。

スタジオの研究者は「分からないことが大事」と奈良原の作品は「詩的」などと「分かったようなこと」を言うので困る。

・戦中・戦後の芸術の流れを思えば、土門の芸術と奈良原の芸術の違いは構図化が容易である。

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講談師・神田松之丞氏の至芸。

独演会の連日公演が即日完売だという。

彼の人気は寄席に限らず、テレビ＆ラジオ番組にも進出している。

※

彼曰く、落語と講談の違いは以下である。

・落語: 対話で物語がすすんでいく。

・講談: ナレーションで物事が進んでいく。

見た目でいうと、

落語は「座布団に座って、つかうのは扇子と手ぬぐい」。上方落語では、小机が使われる。

一方の講談。張り扇と扇子で小机を叩く。

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俳人・夏井いつき先生の芸術観。

毎日放送の人気番組「プレバト」の俳句コーナーの撰者・夏井先生は評価基準を以下とする。

・技術

・オリジナリティー

・芸術性

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岩下・ハコちゃんが「写楽」を愛でる。

テレビ番組で岩下尚史氏が、浮世絵画家・写楽がヨーロッパで絶賛された訳について、解説していた。

※

歌舞伎役者の肖像画の大顔で描かれたのは、

・「近代的孤独」ではない。

・「移ろうもの」の寂しさ。

通じて、「俺も、お前も寂しいよな」と。

当然である。

・日本芸術が表現するのは「無常・もののあわれ」。個人の感情（孤独感）ではない。

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「青春舞台」（高校演劇部・全国大会）の危うさ。

高校生が全国大会で優勝すれば、「プロも夢でない」と考えるのは道理。

野球では、甲子園の優勝投手・準優勝投手が、プロの世界でも活躍しているから、そう思うのも無理はない。

だが、演劇はどうか・・・。

テレビで「青春舞台」（高校演劇部全国大会）の優秀校の映像を見たが、そこに何があるのか。

「戯曲・脚本」はともかく、舞台装置に象徴される「演出」はともかく、高校生たちの「演技」に、魅力を感じることは希有だと感じられる。

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室町幕府の美術政策。

少し時が経ってしまったが、「N国」の標的である公共放送のEテレ「日曜美術館」で「よみがえる美の力。室町幕府の文化戦略」の回を観た。

※

日本の美術の歴史を考える場合、ひとつの起点として、金閣寺の北山文化。銀閣寺の東山文化に代表される室町時代が重要という説に、なんとなく同意している。

つか、西洋において、芸術が「社会の中心に存在する」のに、日本においては「そうではない」という認識が強いが、その例外ということになる。

古代ギリシアにおいて、「ギリシア演劇」「ギリシア彫刻」は「国民を統治するため・国家の求心力を強めるためのツール」として機能してきた。

だが、平安時代の「絵巻物」などは国家体制とは大きく隔たっている。
狩野派の絵画は権力者たちに重用されたが、それが「国家統治」に使われたことはないだろう。

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津田大介氏の「表現の自由・その後」展に思う。

彼の目指すところや、ジャンルは分からないが、10年以上前、シンポジウムなどに出かけると、よく見かけたのを覚えている。

ジャーナリスト系の活動をしているから、「表現の自由」について、直感的なものがあり、今回の企画を「センセーショナリズム」と思い、企画してしまったのかもしれぬ。

つか、「あいちトリエンナーレ」という美術系・芸術系のイベントの一画で起きたことだが、そもそも、「芸術とは何か?」を誰も定義しないからいけない。

先日、病院の待合室にあった週刊文春の漫画（作者は忘れたが、カラテカのようなタッチだった）を見ていたら、美術展にいった母親が「意味が分からない」と作品を前に首をかしげると、娘と思しきキャラクターが「芸術なんだから、自由に鑑賞すればいいんじゃない」と答えるのがあった。

本質的な定義をすれば、

・この世界の本質を表現するのが、芸術。

・意味を表現するのが、デザイン。

つまりは、母はデザインだと思って芸術作品を鑑賞し、娘は「自由に・・・」などと訳の分からないことを言う。

ミメーシス芸術論に従えば、「芸術作品は、過去の傑作の歴史の上に成り立っている」。

「自由に鑑賞すればよい」というのは、「小学生の絵画発表会」に相応しいセリフである。

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あいだみつを芸術の捉え方。

フジテレビの「テレビ寺小屋」に詩人＆書家・あいだみつを氏のご子息が出演していた。ご子息氏は、父君の記念館の館長である。

○

・書とは、裸で向き合わなければならない。

・文字ではなく、内容に注目してもらうために、あの書体になんた。
（眼で、読む人の心を開く）

・仕事場は別棟にあり、詩作・書の時は、怖くて近づけなかった。

・見る人の鏡になる書。

・見る人を裸にする書。

が、ご子息の父親の芸術に関する随想。

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明確な「定義」が不可欠。歌舞伎＆落語のサバイバルとジャズの低迷。

・「芸術とは何か」を追求することが、芸術家の営みである。

と、教養番組での指摘があった。

少年時代のspontaも、青年時代のspontaも、そのようなことが「芸術の本質」であると理解していた。

だが、３０代も過ぎた頃、

・この世界の本質を表現することが、芸術の目的である。

と結論する。

そう結論・達観してしまえば、「芸術論」はひとつ先に進む。

・

そもそも、「語句の定義」をせぬまま、「議論を進める」ことは無為である。

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モダニズム的な「主観主義」の終焉、と「ポストモダン」。

モダニズム的な芸術観では、個性は「何かに縛られてはならぬ」。「個人の直感」こそ、尊いもの。という妄念がある。

しかし、モダニズム的な文脈においてさえ、それは間違っている。

なぜなら、モダニズムとは、「個人の主観」と「進化論」の二枚重ねであり、「進化論」とは、「個性の発露において、新しいものを創造すること」。だが、「新しい」とは、過去の作品との対照によって発生する。

私は、絵画教室を営むような一丁前の美術関係者を気取る御仁が、シャガールの絵を愛でるのを軽蔑する。
そのような即物的な「心理主義」で、シャガールの芸術が生まれたのではない。

彼が評価される理由は、パリのオペラ座の天井画に採用されたこと。それは、「天使が空中を舞う」ような伝統的な天井画に取って代わり採用されたのであって、それは、過去の作品群との対照において評価されたことを意味する。

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ミメーシスは芸術の基本である。

不易流行という言葉がある。

ウェブによると以下。

いつまでも変化しない本質的なものを忘れない中にも、新しく変化を重ねているものをも取り入れていくこと。また、新味を求めて変化を重ねていく流行性こそが不易の本質であること。蕉風俳諧しょうふうはいかいの理念の一つ。解釈には諸説ある。▽「不易」はいつまでも変わらないこと。「流行」は時代々々に応じて変化すること。 （三省堂）

蕉風しょうふう俳諧はいかい理念の一つ。解釈には諸説ある。一説に、俳諧には不易（永遠に変わらぬ本質的な感動）と流行（ときどき新味を求めて移り変わるもの）とがあるが、不易の中に流行を取り入れていくことが不易の本質であり、また、そのようにして流行が永遠性を獲得したものが不易であるから、不易と流行は同一であると考えるのが俳諧の根幹である、とする考え方。（学研）

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岡本太郎氏を批判する。（縄文論）

生きていた時に非難・批判されていた人・ものが、時を経て、評価されることがある。

昭和の時代、東京タワーの評判は悪かったが、平成の時代になると、昭和のノスタルジー（懐古趣味）にともなって、評価されるようになった。

spontaは、最近でも見上げることがあるが、あのデザインは電波塔以外の何物でもない。

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詩的とは何か。鑑賞とは何か。

 

何度か書いていることかもしれぬ。

詩的　vs. 説明的

である。

とすれば、「そのまんまを言わないこと」が、詩的となる。

だが、spontaとしては、

・「分かっているのに、言わない」のは、意地悪。

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画家・ルーベンスの価値・意味・・・。

フェルメール展が話題だが、ルーベンスの展覧会もやっているという。

○

テレビでフェルメールの謎を話題に番組をやっていたが、ルーベンスの解説も・・・。ルーベンスの意味・価値を伝えているか、ちと興味があったが・・・、

「フランダースの犬」の主人公・ネロが、ルーベンスの絵を見ようとして、見れなくて、昇天した。

そして、絵のサイズが大きいこと。

直筆・工房作品があり、多作だったこと。

こってりとした昔ながらのフランス料理。

そんな形容ぐらい。

○

それらは「間違っていない」にしても、「何故、ルーベンスを見なければならぬか？」の答えにはならぬ。

spontaは「本質」を短く表現すべきと考えるが、それは以下。

※

ルーベンスはバロック絵画である。バロックとは、「ゆがんだ真珠（グロテスクな過剰な装飾）」という意味。
印象派は、「ルーベンスの絵画への反発」から生まれたといっても過言ではない。

※

印象派の対極にあるのが、ルーベンスである。

これを理解しないと、美術史ばかりか「近代」を理解できぬ。

ルコルビジェの機能主義の建築の対極にあるのが、ゴシック建築。

バロック建築の壮大さを、家庭的にすることで和らげたのがロココ建築。

ロココ芸術の音楽版がモーツアルト。対するバロック音楽は様式主義（古典派・ロマン派と比べれば・・・）。

・・・な感じ。

草間弥生の贋作展が開催できる。・・・とは。

私は、岡本太郎を評価しない。その理由は、作品の筆のタッチに「作者の感性を感じない」から。

「筆のタッチ」は、芸術家の「瞬間のホトバシリ（一期一会）」。

それが感じられないなら、「作品」はいつでも、誰でも創作できる。作家は「コンセプター」「デザイナー」でしかない。

伝統的な西洋絵画（泰西名画）は、作品から「作者の筆の痕跡を消す」ことが命題だった。

それが、印象派以降、大きく変化する。

ルノアール、ゴッホ、セザンヌが評価されるのは、「作者のオリジナルな（絵筆の）タッチ」である。

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アラベスクとは何か・・・。

多くの人が、アラベスクとは「アラビア風」という意味。てなところで、思考停止に陥っていると思う。

アラベスク、アラビア風とは何か−−−。言われてみれば・知ってしまえば簡単。だけど、言われないと分からない。

※

アラベスク様式の特徴は、「余白がない」。「余白が埋められている」感じ。

対照的なのは、有田焼の「柿右衛門の作品」のような、「大胆に余白のあるもの」。

※

そのように理解できれば、モーツアルトの「トルコ行進曲」は分かりやすい。

アラベスクは「余白のない」だから、音符が沢山つまっていて、余白がないことに気がつく。

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